El cine influencia en la moda

El momento de mayor compenetración entre cine-moda se dio en la época del star sistem, en el que imperaban aquellas mujeres y hombres estrellas que, además de protagonizar aventuras épicas y románticas, se convertían en el canon a seguir. En cierto modo, cubrían el espacio que ahora llenan las top models.
Tanto se imponía una delgada y elegante Audrey Hepburn, como también la atractiva Sofía Loren con proporciones más propias de la mujer mediterránea. Tanto unas como otros; de gran belleza o no, influyeron la moda.
Se han impuesto desde la gabardina de Humphrey Bogart en Casablanca (1942), como en Estados Unidos fue el propiciado por la actriz Verónica Lake durante la Segunda Guerra Mundial

Ésta solía llevar un peinado en el cual el pelo le cubría la mitad de la cara y las mujeres estadounidenses, en su afán de imitar a las estrellas, no tardaron en incorporar este elegante peinado a sus vidas cotidianas. El peinado fue un éxito tan grande que el gobierno tuvo que intervenir y prohibirlo, ya que la mayoría de estas mujeres trabajaban en fábricas de armamento y con el pelo sobre un ojo no podían trabajar bien y cometían errores.
En el caso de Marlon Brando en Un tranvía llamado deseo (1951) puso de moda las camisetas de algodón de manga corta común y corriente. Hasta ese momento no era para nada habitual que los hombres llevaran este tipo de camisetas, siendo hoy una de las prendas más usadas y más comunes en todo el mundo..

En la actualidad al cine, se le suma la televisión y la publicidad, contribuyentes decisivos a convertir las ideas de unas personas singulares en objetos de consumo para una mayoría. Los medios de comunicación, sostienen la configuración de la llamada sociedad de masas, tienen un papel esencial, también en la uniformización de la sociedad.

Muestra: “De la opresión a la libertad”-Antonio Pujia-

Antonio Pujia presenta su muestra “De la opresión a la libertad”

Exposición en el Complejo Municipal “El Patio”, ubicado en calle 149 e/15 y 15A, donde la exhibición permanecerá abierta al público todos los días de 15 a 20 hs. hasta el domingo 26 de septiembre, con entrada libre y gratuita.

Antonio Pujia es un escultor de origen italiano, nacido en Calabria en 1929, En 1937 emigró junto con su familia a la Argentina, nacionalizándose años después. Como artista plástico se formó con los maestros Alberto Lagos, Troyano Troyani, Alfredo Bigatti, José Fioravanti y Rogelio Yrurtia. Es Profesor Nacional de Dibujo, egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, y de Escultura de la Escuela Ernesto De La Cárcova. Organizó el Taller de Escultura Escenográfica del Teatro Colón, siendo su jefe desde 1956 hasta 1970. Con más de sesenta exposiciones, Pujia ha alcanzado numerosos premios y distinciones a lo largo de su  extensa carrera como artista.

LENI RIEFENSTAHL

En la clase del 19 de agosto el alumno Pinedo, Gonzalo; analizó el film "El acorazado Potemkin" (1925) de Sergéi Einsenstein (de manera destacada) , contando las características históricas que vivía la Rusia de entonces, introduciéndonos en el cine al servicio de la política.

Leni Riefenstahl (1902-2003)  fue una actriz y cineasta alemana conocida por sus producciones propagandísticas durante la Alemania Nazi, de las que nunca se arrepintió, por eso vivió mortificada porque muchos no se lo perdonaron.

A continuación el escritor e historiador español Román Gubern Garriga-Nogués hace un análisis, sobre el compromiso que esta directora, entre otros asumieron en un momento determinado de la historia. 

Documentales“Cineastas contra magnates”;“Cineastas en acción”

Cuestionario

1- Qué tema desarrolla  el documental “Cineastas contra magnates”.

2- Qué tema desarrolla  el documental “Cineastas en acción”.

3- ¿Quiénes son los protagonistas de ambos cortos? Mencione e identificando cuatro de cada documental.

4- Desarrolle de manera clara los puntos fundamentales que trata el documental “Cineastas contra magnates”.

5- Desarrolle de manera clara los puntos fundamentales que trata el documental “Cineastas en acción”.

6- ¿Qué es el tratado de Berna? Explique algún punto, y dónde se aplica.

7- De lo desarrollado en los dos documentales, emita una opinión personal teniendo en cuenta el rol de la televisión, director y público. Comente si ha podido comprobar alguno de los temas develados en estos documentales.

El bueno, el feo y el malo 1966

Título:El bueno, el feo y el malo/ Il buono, il brutto, il cattivo
Dirección: Sergio Leone
País: Alemania Occidental, Italia, España
Año: 1966

Los personajes surgen a través de estereotipos, pero que a su vez intercambian algunas de sus características, ninguno es tan malo, tan bueno o tan feo, las circunstancias son las que determinan que particularidades prevalecerán. El eje central es, como casi todo el cine de Leone, la ambición sin límites. La película tiene un mensaje ambiguo, por un lado hay una gran crítica hacia las muertes injustificadas por la guerra, por el otro, la codicia justifica todo.

La banda sonora de Ennio Morricone, (compositor de música de cine y bandas sonoras), le imprime un sello inconfundible e inolvidable a las escenas, que de vez en cuándo Quentin Tarantino convalidará  homenajeándolas en sus films.

Los largos silencios que se producen durante la película,(inconfundibles del western original, que personificaba John Wayne, entre otros ), ambientan los espacios interminables de desiertos...De vez en cuando se filtran  sonidos como el de las espuelas, el viento  o hasta la pitada de un cigarro, que mezclado con los diálogos pasarían desapercibidos.
Sergio Leone dominará el género a la perfección, dándole caracteristicas originales, asumiéndose como creador del " spaguetti western", al que este film pertenece.

El western no sólo eran tiros, estaba llena de frases como estas:

“Hay dos clases de espuelas, mi amigo. Las que llegan por la puerta y las que llegan por la ventana”
“Cuando tengas que disparar, dispara. ¡No hables!”
“Hay dos tipos de personas en el mundo. Las que llevan un revolver cargado y las que cavan. Tú cavas”.

Broadway Danny Rose 1984

Título: Broadway Danny Rose
Dirección:Woody Allen. 
Género: Comedia
País: Estados Unidos
Año: 1984

Danny Rose es una de las caracterizaciones más conmovedoras de Woody Allen, ya que representa a cierto tipo de neoyorquino.
Eligió filmarla en blanco y negro. 

Woody Allen estuvo nominado al Óscar en las categorías mejor director y mejor guión original, fantaseó con la idea de que el personaje de Lou Canova fuera interpretado por Sylvester Stallone, quien no lo aceptó.

Dirige  y guiona muchas de sus películas , sobre todo las comedias cuyos tópicos van y vienen entre las historias de pareja, las infidelidades, las relaciones familiares, el narcisismo, la cultura, los intelectuales y los esnobs, la decadencia y la felicidad. "El perdedor" tiene para este director más que decir que el ganador, 

Sus dos actrices (compañeras de vida) con más protagónicos o secundarios fueron Mia Farrow y Diane Keaton, la primara protagonizó 12 films y la segunda 7.

Tiempos Modernos 1936

Título: Tiempos modernos/ Modern Times
Dirección: Charles Chaplin

Género: Drama, Romance, Comedia

País: Estados Unidos
Año: 1936
 "Algo malo debe tener el trabajo, o los ricos ya lo habrían acaparado"

                                          Mario Moreno Cantinflas
                                        (actor y comediante mexicano)

Charles Chaplin hace una severa crítica a la Revolución Industrial, sumergida en el modelo de Taylor y el fordismo (ver ambos modelos). Una sociedad que vive bajo el control y dominio absoluto, Chaplin utilizará innumerables metáforas visuales para reforzar esta idea.Muchas de estas escenas  no dejan de ser cómicas , pero en realidad es una demostración de cómo se solía absorber al obrero y de que manera se lograba el control del hombre.


*Frederick Winslow Taylor: http://www.youtube.com/watch?v=6sAIG9tJe-E

*Henry Ford: http://www.youtube.com/watch?v=9MqmsCrop c&playnext=1&list=PLFDCFDDC86DD0F1B4

Sombrero de copa 1935

Título: Sombrero de copa/ Top hatDirector: Mark Sandrich
Género: Musical

Año: 1935

Para olvidar la profunda crisis en la que estaba sumergida la sociedad norteamericana en los años treinta, surgen nuevas melodías al ritmo de las big bands que hacen sonar una nueva forma de jazz más bailable, el swing.

El sonido permitió al cine explorar el espectáculo más apreciado por el público norteamericano: la comedia musical que duraría hasta tres décadas consecutivas.

Esta película marcaría el estilo de posteriores musicales, sobre todo por el número musical de 22 minutos de duración que tiene lugar en el salón de baile. 

El estilo de baile estaba marcado por la particular personalidad del bailarín. Astaire creó una fusión personal caracterizada por sus conocimientos de la danza clásica, su gran habilidad con el claqué y la incorporación de diferentes bailes de moda (fox trot, swing…). A todo esto le unió el trabajo con objetos, una sorprendente imaginación para utilizar el espacio (como cuando camina sobre el techo en Bodas reales) y una teatralidad exquisita para convertir la coreografía en parte del movimiento natural, dando como resultado un sentimiento de facilidad y espontaneidad a sus números que quedan perfectamente encuadrados en la trama general de la película.Fred Astaire exigía que se cumpliesen dos criterios que los números musicales estuvieran suficientemente justificados en la trama y que la cámara no se moviese durante las coreografías sino que tomase de manera casi estacionaria toda la rutina de baile con un mismo encuadre, sólo en las coreografías de masa, donde intervienen los coros, el director se permite una mayor movilidad de la cámara, permitiéndonos descubrir un asombroso mundo de ensueño con contrapicados, primerísimos planos y la creación de diversas alturas.

  

 

Vértigo 1958

Título:Vértigo/Vértigo: De entre los muertos
Dirección:  Alfred Hitchcock

Género: Drama, Romance, Thriller, Intriga    
País: Estados Unidos
Año: 1958

“Vértigo” o “De entre los muertos”, es un film en el cual Hitchcock homenajea a Luis Buñuel (cineasta español, con un pasado surrealista)  en una escena similar a su película “Él”, por su complejidad emocional, por su atmósfera, por la manera en que es afrontado el asunto de la obnubilación afectiva y por la sensación hipnótica que transmite.

Hitchcock, llamado padre del suspenso, desarrolla para esta película una gran complejidad técnica y artística, y puede ser interpretada a distintos niveles, desde la fascinación directa que desprenden sus imágenes hasta el hermetismo y la simbología de algunos de sus pasajes. Impregnada de un enfermizo romanticismo, a lo que sin duda contribuye de manera decisiva la envolvente música de Bernard Herrmann, Vértigo es una película llena de sorpresas y hallazgos, entre los que destaca el montaje, los detalles, los ángulos, las localizaciones, los efectos de cámara como el dolly shot la solución de cámara que Hitchcock ideó para transmitir la sensación de vértigo que padece "Scottie": un efecto combinado de travelling atrás con zoom adelante. 

Hay que destacar, además, la excelente fotografía en technicolor de Robert Burks y la sencilla pero antológica secuencia de los créditos iniciales, obra del especialista Saul Bass. En pocas palabras, un clásico indiscutible.

El cantante de jazz 1927

Título: El cantor de jazz/The Jazz Singer       Dirección: Alan Crosland
Género: Drama, Romance, Música

País: Estados Unidos
Año: 1927

Ya en los primeros años del cine comenzaron a patentarse sistemas que sincronizaban la acción de la pantalla con el sonido grabado en discos. Estas pruebas se siguieron realizando a lo largo de todo el período mudo, pero la cinta que está considerada como la primera película sonora de la Historia es "El cantor de jazz", estrenada el 6 de octubre de 1927 y dirigida por Alan Crosland. A pesar de esta consideración, no era una cinta totalmente sonora. Contenía algunas canciones y varios fragmentos hablados; en uno de ellos, el protagonista, Al Jolson, miraba a la cámara y pronunciaba la primera línea de diálogo de la Historia del Cine: "¡Esperen un minuto: aún no han oído nada!". Después de esa frase nada fue igual y el cine mudo comenzó a ser algo del pasado. Después de este éxito sin precedentes de la Warner, los demás estudios comenzaron a producir películas que cada vez ofrecían más diálogos. La primera totalmente hablada sería "The lights of New York", en 1928.

El sonido deja sin efecto ciertos recursos: la cartelería (propias del cine silente); se eliminan algunos planos que mostraban de dónde venían los sonidos (un timbre,un teléfono  etc.); los diálogos tienen un papel especial se desarrolla el guión; más expresión (música, sonido ambiente,etc).  

Esta película viene de la obra teatral del mismo nombre que había sido un éxito en Broadway. Esta obra daría lugar a multitud de películas musicales.

CURIOSIDADES: La llegada del cine sonoro ganó varios detractores, entre ellos estaba Charles Chaplin quien, en principio, se negó a aceptarlo, negándole validez artística. Evitó hablar en dos películas ya sonoras: Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936), que no eran en realidad sino películas mudas con músicas y efectos ingeniosamente sincronizados. Todo hacía pensar que Chaplin, el gran mimo, sería una más de aquellas estrellas que no supieron adaptarse a la llegada del cine sonoro. Chaplin no habló en la pantalla hasta El gran dictador (1941), pero cuando lo hizo, volvió a tener los éxitos de siempre. 

La tentación vive arriba 1955

Título: La tentación vive arriba/ The Seven Year Itch 

 Director: Billy Wilder

País: USA

Año : 1955

Este film chocó contra los conservadurismos de los años 50 , su visión de la infidelidad conyugal fue un escándalo para la época, aunque estaba en un contexto de comedia romántica satirizada. Con la actuación de Marilyn icono sexual de EE UU, en el papel más sugestivo hasta ese momento.

Este film se basó en la comedia de Brodway  de George Axelrod, el teatro gozaba de libertad artística, en cambio el cine tenía a su moderador: El código Hays de censura;que no permitía entre otras cosas que el adulterio fuese un tema de risa ni de comedia,pero  el director acostumbraba burlar este código.

Para el papel masculino, prefirió un actor con características de hombre común, y no la de un galán.Pero sin duda la verdadera estrella fue Marilyn, perseguida por la prensa, el código Hays y el público,  la escena del vestido terminó siendo filmada en estudios porque se desconcentraba con los silbidos y las voces de la gente. Marilyn, como otras tantas estrellas, tuvo una difícil relación con la fama y el frívolo mundo del cine; solía decir: “Hollywood es un lugar donde te pagan 100 dólares por un beso y 50 centavos por tu alma“

2001 Odisea del espacio 1968

Título: 2001: Una odisea en el espacio/2001: A space odyssey  
Dirección: Stanley Kubrick       
País: El Reino Unido, Estados Unidos
Género: Aventuras, Intriga, Ciencia ficción

Guión: Kubrick y Arthur C. Clarke, basada en la historia El Centinela de Clarke

Productor:Stanley Kubrick

Música:  Alex North

Año: 1968

El director iba resolviendo los problemas inmediatos de cada día, un equipo de técnicos inventaba incesantemente técnicas nuevas para rodar, por ejemplo, el viaje de la Discovery a Saturno; como no hubo forma de crear una imagen convincente de ese planeta, se eligió Júpiter y sus lunas como centro de la civilización que envió al centinela. Su único signo visible será ese centinela, que finalmente tomó la forma de un monolito negro. Inicialmente, y respetando la idea de Clarke, se pensó mostrarlo como un tetraedro. Pero esa figura no resultaba monumental, ni simple, ni fundamental; hacía pensar además en las pirámides del antigüo Egipto, que nada tenían que ver con la historia que 2001 pretendía contar. En un rasgo de intuición significativo, el monolito negro fue convertido en un paralelepípedo, esto es, una simple forma, sin que tal decisión tuviera una relación consciente con la Kaaba, la piedra negra sagrada de los musulmanes, cuyo origen se supone un meteorito, ni con los menhires de Stonehenge. Clarke descubriría más tarde la existencia de una secta budista que veneraba un negro bloque rectangular.

Kubrick quería que su ordenador fuera de la marca IBM, pero esta compañía se negó a que uno de sus ordenadores hiciera de malo". Entonces Kubrick escogió las tres letras anteriores a IBM, naciendo así el ordenador más fámoso de toda la historia: HAL (aunque existen versiones contrarias).

Ciudadano Kein 1941

Película: Ciudadano Kein/ Citizien Kane

Dirección: Orson Welles

Guión: Orson Welles, Herman J. Mankiewicz     
País: EE.UU. 

Año: 1941

Fue la Opera Prima de Orson Welles que tenía una escasa formación cinematográfica, aunque experiencia en el teatro y la radio, su aprendizaje se basó en ver todas las películas de John Ford realizadas hasta la fecha, la rodó cuando tenía 25 años.

El director aseguró que no se trata de una película biográfica, que Citizen Kane no va sobre una persona en particular; sino sobre varios personajes de la época en la que fue rodada. De todas formas, muchos apuntan a que está basada en la vida de William Randolph Hearst, y a pesar de que hay elementos de la historia que pueden estar inspirados en Samuel Insull .Comentan que Orson Welles y Willliam Randolph Hearst se cruzaron en un ascensor del hotel Fairmont la noche anterior al estreno de Citizen Kane en San Francisco. El padre de Welles era amigo de Hearst, así que Welles invitó al magnate al estreno. Hearst se negó a asistir. Cuando Hearst salía del ascensor, Wellesle dijo: “Charles Foster Kane hubiera aceptado”.
Ciudadano Kane fue una revolución visual y temática, que marca un antes y un después en la historia del cine. Técnicamente no inventó nada, pero sí usó todos los recursos existentes hasta ese entonces : uso de la profundidad de campo (seguramente influido por el realismo poético de franceses como Jean Renoir), fotografías en claroscuro y juegos de iluminación (herencia del expresionismo alemán de principios del siglo XX),escenografías a las que colocaba techo (nada común para la época) y notable uso de los movimientos de cámara y uso de grúas. Pero también añadió algo absolutamente nuevo: la mirada personal del autor: el director como un narrador omnisciente que quiere contar la historia a su manera, valiéndose para ello de herramientas como el picado y el contrapicado.
También desarmó la cronología de la mayoría de las historias que eran proyectadas en la pantalla grande, empezando la narración desde el final. La estructura narrativa, que combina material de un reportaje periodístico con declaraciones de diversas personas (algunas de ellas muertas) en relación a la vida y acciones de Kane, supone también una nueva forma de contar historias, en la que cuenta dos en una, la primera es la película cuyo argumento son las hazañas de un periodista que investiga sobre la vida del fallecido Charles Foster Kane, la segunda es la vida del propio Kane. Para hacerla una, se enlazaron, a través de numerosos retrocesos en el tiempo de la acción dramática, que es lo que hoy en día vemos en tantas películas y denominamos flash-back.
La trasgresión de Welles se simboliza en la primera secuencia de la película, cuando la cámara supera la valla con el cartel de «No trespassing» y se dirige a la ventana del dormitorio de un moribundo Kane.