El halcón maltés 1941

Título: El halcón maltés/ The Maltese Falcon
  Nacionalidad: USA
Director: John Huston
Productor: Hal B. Wallis para Warner Bros.
Reparto: Humphrey Bogart, Mary Astor, Gladys George,

Año: 1941

Todos los encuadres del rodaje estaban dibujados de antemano y no se cambió ni una frase del guión original.
La anécdota surgió cuando Bogart debía besar a Mary Astor. El bueno de Bogie nunca había besado a una actriz, puesto que siempre había hecho de malo malísimo, y John Huston hubo de animarle constantemente, pese a lo que hubo de repetirse la toma hasta siete veces. Fue el debut de Bogart como héroe romántico. Años más tarde Mary Astor declararía: "Bogie no necesitaba besar a la chica. Ni siquiera tenía que tocarla. Bastaba con ver como la miraba".
El Halcón Maltés supone el primer filme en la historia en el cual se puso el nombre de los dos protagonistas, Humphrey Bogart y Mary Astor, en letras del mismo tamaño en el título del filme y a la misma altura, compartiendo, de este modo, cabeza de cartel.

Se siguió la costumbre hollywoodiense de hacer un pase previo para observar la opinión de la gente. Si algo no gustaba se cambiaban escenas e, incluso, el final. El pase previo de la película tuvo lugar en un cine de Pasadena. El éxito del pase fue tal que no hubo que cambiar nada.
El halcón maltés pertenece al género: cine negro . Su influencia del expresionismo europeo y la utilización de los claroscuros es lo que más destaca de esta novela detectivesca llevada al cine. Por supuesto, Humphrey Bogart aprovechó su don para interpretar a tipos duros de lo más irónico con maestría y hacerse un lugar en la historia del cine.

El cine negro presenta una sociedad violenta, cínica y corrupta que amenaza no sólo al héroe protagonista de las películas sino también a otros personajes, dentro de un ambiente de pesimismo fatalista. Los finales suelen ser agridulces cuando no presentan directamente el fracaso del protagonista. Otro punto característico del cine negro es la presencia de la femme fatale, la mujer fatal que, aparentemente inofensiva, puede conducir a sus víctimas al peligro o a la muerte. Las novelas de Dashiell Hammett y Raymond Chandler, con sus detectives Spade y Marlowe son frecuentes fuentes de los guiones del género.
El cine negro o film noir fue un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos durante la década de 1940 y 1950.

Lo que el viento se llevó 1939

Título: Lo que el viento se llevó/Gone with the Wind
Dirección:George Cukor, Sam Wood, Victor Fleming
Género: Drama, Romance, Bélico,
País: Estados Unidos
Guión: Sidney Howard
Reparto:Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard. 
Año: 1939

Intervinieron tres directores el más mencionado:  Victor Fleming Sam Wood, George Cukor (que fue despedido por Clark Gable) y Cameron Menzies, (autor del 'story board' o bocetos visuales a modo de viñetas, de la historia), pero es, sobre todo, una obra de su productor David O'Selznick, que buscó la novela, se preocupó por su adaptación y la llevó a la pantalla con los mejores elementos técnicos y artísticos del momento.

En cuanto al reparto  Clark Gable, fue elegido desde un primer momento como el cínico pero entrañable Rett Buttler, Vivien Leigh, cuya elección duró varios  meses, con todas las actrices de Hollywwod peleándose por el papel.

El film aborda temas impregnados de las peculiariades y valores del territorio sureño estadounidense.

La Warner Brothers ofreció a David O. Selznick participar en el proyecto con una fuerte suma de dinero si escogía a sus actores de plantilla Errol Flynn y Bette Davis como protagonistas. Sin embargo, Selznick quería a Clark Gable a toda costa, por lo que hizo un trato con la Metro, poseedora del contrato de Gable, para hacerse con sus servicios. A Clark Gable, al parecer, le molestó mucho que hicieran el acuerdo sin ni siquiera contar con él, por lo que se desahogó con la prensa al declarar que "los estudios tratan a los actores como cabezas de ganado". Selznick le ofreció al actor pagar parte de sus gastos de divorcio para que pudiera casarse con Carole Lombard, el amor de su vida.

Un tranvía llamado deseo 1951

Título: Un tranvía llamado deseo/ A Streetcar Named Desire
Dirección: Elia Kazan
Intérpretes: Vivien Leigh, Marlon Brando, Kim Hunter, Karl Malden, Rudy Bond, Nick Dennis, Peg Hillias, Richard Garrick, Ann Dere
Guión: Tennessee Williams (sobre una obra de teatro suya, de igual título)
País: EE. UU.
Año: 1951

Muestra la sociedad de la época, en la versión original de teatro escrita por Tenessee Williams, muestra diferencias con la película en cuánto a la historia de Blanche con su marido,cuando descubre que su esposo era gay, y estaba enamorado de su mejor amigo, quien falleció, y lo llevó a él a un estado de depresión tras el cual terminó suicidandose. La historia transcurre de la misma manera en la versión fílmica, con la diferencia de que, en la escena en donde Blanche habla con su esposo y descubre su homosexualidad, en vez de ser esta la confesión, él le dice que nunca estuvo enamorado de ella, y luego de esto se suicida. Blanche sufre porque su esposo no dejó que ella lo ame.
Si bien la versión fílmica aborda otra temática igualmente interesante, el desamor, es evidente que oculta la existencia de la homosexualidad en la sociedad, como un tema tabú de aquella época. Probablemente, si en aquel entonces hubieran permitido que algún galán apareciera como un hombre que se puede enamorar de otro hombre, no habrían llegado a 12 nominaciones al Oscar, ni a tener tanto éxito.  
En un principio, Elia Kazan, que ya había triunfado con “Un tranvía llamado deseo” en Broadway, no deseaba adpatar al cine la célebre obra de Tennessee Williams. No obstante terminaría por ceder ante la insistencia del propio Williams, amigo personal de Kazan, realizando una de sus mejores películas.  
No le fue fácil incorporar a la actriz Vivian Leigh en la película , pero  su marido Laurence Olivier, logra convencerla el deseaba que lo interpretase, porque había mucho del personaje en su interior .Aunque el daño que ejercería sería irreparable.Una mezcla de autodestrucción se apoderó de la actriz.Sufrió desordenes bipolares en la vida real, tuvo luego dificultades en distinguir su vida real de la de Blanche DuBois.
En cuanto a Marlon Brando, Kasan lo definirá como: ...¨El único genio que me he encontrado en el terreno de la interpretación¨
Alex Nort introdujo por primera vez en el cine como banda sonora de un film el jazz, lo que supuso un acontecimiento mundial que, sin embargo, no fue reconocido en los premios más importantes que se dieron a la película. North, estuvo nominado a los Oscars  quince veces, y no ganó más que el honorífico.
El negocio de las camisetas interiores para hombres, que había decaído cuando en 1934 cuando Clark Gable se atrevió a salir sin camisa y sin camiseta en “Sucedió una noche” (de Frank Capra), de repente cobró un auge inaudito con Marlon Brando .Todos los hombres querían llevar una igual a la de Brando, con manga corta.

El gabinete del doctor Caligari 1919

Título: El gabinete del doctor Caligari/ Das Kabinett des Doctor Caligari.
Dir. Robert Wiene. Guión: Carl Mayer, Hans Janowitz.
Género: suspenso, horror.

1919/1920

En el epílogo después de la aclaración del caso de Caligari, el espectador reconoce que sólo se trata de los delirios de un loco, lo que la convierte en una película más conformista y tranquilizadora. Esta elipsis, impuesta a los guionistas Janowitz y Mayer, causó un gran enfado pues el guión, originalmente, ejemplificaba un asunto muy importante para ellos, el militarismo. Janowitz había participado en la guerra, y volvió de ella con ideales pacifistas y un gran odio hacia el ejército, especialmente contra los mandos, cuya autoridad obligaba a millones de hombres a cometer asesinatos, e incluso los llevaba a su propia muerte. Así, Caligari personifica la autoridad absoluta, que convierte a su subordinado-culpable, en una víctima inocente del poder.

“Las películas deben ser dibujos a los que se les da vida”..., rezaba el lema de Hermann Warm, uno de los directores artísticos. 

Janowitz había sugerido para los escenarios al pintor de tendencias surrealistas Alfred Kubin, pero Wiene prefirió a los artistas expresionistas Warm, Reimann y Röhrig (pertenecientes al grupo artístico "El puente/ Der Sturm"), los cuales crearon todo un mundo propio de telas pintadas, pues ésta es una película concebida desde el punto de vista plástico, dónde la protagonista es la escenografía, repleta de líneas oblicuas, curvas, ondas y formas dentadas, muy ligadas a los modelos góticos.
Los decorados son estáticos, siempre vistos desde el mismo encuadre; al igual que la iluminación, totalmente plana. Son los propios subtítulos los que nos indican sí es de día o de noche, incidiendo especialmente en la noche.
Se introdujeron palabras dibujadas, que son la materialización de las palabras de Caligari. Además, tanto Caligari como Cesare parecen dibujados por un artista, son personajes salidos de la imaginación, recurso conseguido por su caracterización (la silueta de Cesare está dibujada en la tapa de su ataúd). Así logra crear esa imagen inquietante y amenazadora. En la misma línea , la iluminación, el vestuario y el maquillaje, que refuerzan la interpretación de los actores, a veces cercana a la pantomima.

Nosferatu

Título : Nosferatu, eine Symphonie des Grauens
Dirección: F.W. Murnau
Género: Thriller, Terror, Fantástico

País: AlemaniaAño: 1922

Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens nace como consecuencia del fuerte impacto que causan en Albin Grau tanto la novela Drácula de Bram Stoker como la película Der Golem de Paul Wegener. Grau consigue implicar en el proyecto al guionista del citado film, Henrik Galeen, y contrata a Friedrich W. Murnau, un director poco relevante que se encuentra finalizando el rodaje de El castillo Vogeloed (Schloss Vogelöd 1921). Desde un ascetismo moral absoluto, Murnau construye un poema diabólico, a la vez romántico y expresionista, en donde el poder maléfico lucha por la supervivencia y la relación del Nosferatu con las fuerzas de la vida es elevada a un plano metafísico. Mucho más espeluznante resulta la sospecha de que, en el trasfondo psicológico de la monstruosa criatura, se esconde un esfuerzo introspectivo del realizador a la propia esencia del ser humano. Tal estremecedor ejercicio, para el cual Murnau rehúye en todo momento añadir elementos desagradables o propiciadores del susto fácil, se nos presenta, además, bajo una envoltura excelente. El realizador mezcla realidad y fantasía, combinando cuadros de gran belleza plástica basados en la pintura romántica, con decorados reales, como el viejo almacén de Barna, obteniendo un climax inquietante y mágico, que convierte a la película en una sinfonía perversa. 

Su estreno el 4 de marzo de 1922 en el Primust-Palasl de Berlín es recibido con entusiasmo por crítica y público. Poco después, sin embargo, la viuda de Bram Stoker denuncia el impago de los derechos de autor. La sentencia obliga a suspender la proyección de la película y a destruir todas las copias y el negativo. Afortunadamente, la Resolución  judicial no fue cumplida en su totalidad, lo que permitió la conservación de uno de los films esenciales del séptimo arte.

El hombre mosca 1923

Película: El hombre mosca/Safety Last!
Nacionalidad: EE. UU.
Dirección: Fred Newmeyer y Sam Taylor
Intérpretes: Harold Lloyd, Mildred Davis, Bill Strothers, Noah Young, Westcott B. Clarke, Mickey Daniels
Guión: Harold Lloyd y Sam Taylor
Año: 1923

Representa el cuarto largometraje de Harold Lloyd y uno de los últimos que va a producirle Hal Roach. Frente a la intemporalidad de las películas de Chaplin o Keaton, Lloyd aparece mucho más implicado en su tiempo y el público así lo reconoce. 

El paseo de Harold en ambulancia, camino de su trabajo, por entre las calles de Los Angeles, tiene visos de auténtico documental. Si bien toda la película está construida a base de espléndidos gags visuales, su última escena, la ascensión al Bolton Building, desarrolla la habilidad de Lloyd, que éste ya exhibiera en Viaje al paraíso (Never Weaken, 1921), saca partido de situaciones comprometidas en las fachadas de los edificios, y resulta la más antológica rodada nunca por el cómico. Aunque durante muchos años se va a hacer creer al público que el actor la efectúa sin utilizar trucaje alguno la construcción de dos pisos de falso edificio sobre el tejado del verdadero, posibilita a Lloyd el filmar las escenas con relativa seguridad. Bastará con angular la cámara para conseguir el efecto deseado. Algunas escenas cambian perceptualmente cuándo la cámara gira 180 grados,Y entonces ya nada es lo que parece, todos los elementos mostrados antes de este giro adquieren un significado distinto, acordes a la nueva perspectiva.

Las tres edades 1923

Película: Las tres edades/Three Ages
Género: Comedia. Película muda.
Dirección: Buster Keaton, Eddie Cline
Reparto: Buster Keaton, Wallace Beery, Margaret Leahy, Joe Roberts, Lillian Lawrence, Lionel Belmore, Blanche Payson, Kewpie Morgan
Año:1923

Buster Keaton dirige su primer largometraje en el que parodió y homenajeó a Intolerancia” (1916), el mítico film de David Wark Griffith que contaba cuatro historias diferentes.

Las Tres Edades consagraron al director y protagonista como uno de los mejores cómicos del momento. Uno de los puntos más interesantes es como refleja los cambios en las relaciones familiares y los valores sociales de las tres épocas. Amparado por su propia compañía cinematográfica, el cómico armó el film de fina ironía donde nos muestra la invariabilidad del amor a través de tres épocas diferentes: la Edad de Piedra, el Imperio Romano y los Tiempos Modernos. En cada uno de ellas aparecía Keaton, la chica (Margaret Leahy) y el malo (Wallace Beery) en lo que era una clara parodia de Intolerancia.
La fastuosidad de los decorados fueron toda una novedad en su momento, ya que habitualmente eran bastante más modestos en los filmes cómicos mudos. 

El productor elige la Edad de Piedra y esta no es una elección al azar. Los grandes cómicos de cine mudo no dejaron de aprovechar lo ridículo que les resultada a unas sociedades que todavía controlaban extensos territorios coloniales el hecho de presentarse vestidos con unas pieles, que en la mente del espectador tiene asociado con el continente africano. 

La gran novedad que va a introducir Keaton en el mundo cinematográfico va a ser el mundo romano, un género aún poco explotado, lo recrea siguiendo la monumentalidad que Intolerancia (de Griffith) hace del imperio babilónico..

La elección de la época imperial tampoco es por casualidad, elige el momento grandioso de Roma para equipararlo con la época dorada del capitalismo, los años 20. El mundo moderno está representado por la felicidad de estos años,que traslada también a las otras edades del film donde podemos observar una clase media romana feliz, con todos los lujos de la aristocracia.

El acorazado Potemkin 1925

Título Original:El acorazado Potemkin/ Броненосец «Потёмкин»
País: Unión Soviética
Género: Drama, Histórico
Año: 1925

La película tenía el propósito de conmemorar el XX Aniversario del ensayo revolucionario de 1905. Eisenstein se plantea su segundo film como un ambicioso proyecto, en el que la rebelión del Potemkin constituye uno de los varios episodios de la obra. La imposibilidad de concluirlo para las fechas señaladas, obligará al realizador a utilizar la revuelta del acorazado como motivo único de la historia. Ante las escalinatas de Odessa, de donde el operador Eduard Tissé venia de filmar su última película, Eisenstein se inspira y en su mente dibuja el esbozo de la que ha de ser una de las escenas más memorables jamás . La fuerza de las imágenes y su capacidad para crear emociones en ausencia de protagonistas personalizados, representan nuevas cotas expresivas que nunca antes habían sido realizadas. Superándose a sí mismo, con un montaje basado en la atracción del impacto. . El film se rueda en una semana y tarda en montarse 12 días, no concluyendo tal proceso hasta el mismo día del estreno. El acontecimiento tiene lugar en Moscú el 21 de diciembre de 1925, pero la película no logra entonces gran eco popular. Su reconocimiento internacional le llegará tras su éxito en Berlín y desde ahí, su fama va a ir aumentando progresivamente hasta convertirse en un film mítico y, sin duda, en el más estudiado de toda la historia del cine.

Casablanca 1942

Título: Casablanca
Título original: Casablanca
Dirección: Michael Curtiz
País: Estados Unidos
Género: Drama, Romance 

Año: 1942

El film Casablanca actualiza los postulados principales que rigieron la fórmula organizativa de la industria cinematográfica americana de los años '30 y '40: el studio system, el star system y el cine de géneros. La Warner Bros. se rigió por una rigurosa planificación centrada en un conjunto de decisiones económico-narrativas, entre las cuales se encuentran un guión sólido basado en la conocida obra teatral Todos van a Rickés, de Murray Burnett; la presencia del compositor favorito de la Warner (Max Steiner), que tan acertadamente incluyera  el tema "Según pasan los años"; combinándolo con estrellas consagradas (Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Conrrad Veidt, entre otras)más el cruce de géneros, que en este caso se desliza del cine romántico al enigma del cine policial.
En cuanto a la estructura interna, se trata de un relato que asume varias de las características del cine de integración narrativa , cuyo modelo se caracteriza por la presencia de patrones temporales y causales explícitos; la aparición de personajes con trazos psicológicos, cuyos pensamientos, sentimientos y acciones unifican la historia y un orden narrativo de desarrollo y cierre, con una aparente estabilidad. En el film Casablanca, la resolución de los enigmas centrales (la identidad de Rick y el motivo del abandono de Elsa) se efectiviza mediante un trayecto narrativo que transcurre en tiempo pasado y su progresivo develamiento. Trayecto narrativo que queda configurado por un conjunto de unidades o micro-relatos que recomponen la narración en un nivel fragmentario y, sumado un flashback y un sin número de relatos orales, facilita la reconstrucción del pasado de los protagonistas.

Sin aliento/ À bout de souffle 1960

Película: Sin aliento/ À bout de souffle

Guión: Jean-Luc Godard (Argumento: François Truffaut)
Reparto: Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Daniel Boulanger, Henri-Jacques Huet, Roger Hanin, Jean-Pierre Melville, Jean-Louis Richard, Claude Mansard, Jean-Luc Godard Productora: Impéria Films / Société Nouvelle de Cinema 

Música: Martial Solal 

Género: Drama

 País: Francia 

Año: 1960

"Sin Aliento" se considera como el auténtico manifiesto en imágenes del nuevo cine francés. Es un thriller con final trágico, una historia corriente, pero su interés radica en la modificación que Godard (su director)  hace del lenguaje narrativo convencional. Introduce digresiones (desviación en el hilo de un discurso para expresar algo que se aparta del tema que se está tratando) y utiliza un lenguaje grosero como provocación.
El guión recoge sólo algunas ideas anotadas; de esta forma, los actores pueden improvisar.
Se salta las leyes del cine, altera el raccord, los movimientos de cámara, los fundidos, provocando asincronías. Como él mismo afirmó: “Una película ha de tener planteamiento, nudo y desenlace, pero no necesariamente en ese orden.”
Los actores miran fijamente a la cámara, los encuadres son ilustración del diálogo, que a menudo transcurre en tiempo real.
Tras el Mayo del 68, se decide a utilizar el cine como un combatiente al servicio del ideario marxista leninista.

“Metrópolis” 1927

Título original: Metropolis
Año: 1926
Compañía: Universum Film A.G.
Director: Fritz Lang
Guión: Fritz Lang

 Metrópolis es un filme que vive en la leyenda, más allá de sus méritos artísticos. Fritz Lang concibió la película en su primer viaje a América, donde la visión de Nueva York con sus rascacielos y sus construcciones gigantescas lo impresionó profundamente. Colaborando con su esposa, Thea Von Harbou (que más tarde lo abandonaría, sumándose a las filas del nazismo), construyeron una historia de proporciones descomunales que precisó la financiación por parte de dos estudios alemanes, los cuales cayeron en la bancarrota al no tener una buena recepción por parte del público. Se suma a esto la malograda suerte que corrió el film después en su distribución, con innumerables cortes debido a su gran metraje, y la pérdida de escenas enteras, con lo cual existen diversas versiones de la película rodando por todo el mundo pero ninguna restaurada de modo completo.

Contiene un lenguaje cinematográfico muy moderno, pero algunos críticos sostienen que no tiene mucha de lógica en el libreto. Puede deberse a influencia de Thea Von Harbou (una escritora muy prolífica y  muy politizada) que elabora la historia, la comienza a desarrollar, y después comienza a saltarse todos los pasos posibles con tal de llegar a demostrar su propósito : el slogan político naif que reza el filme en todo momento y es "que entre las manos y el cerebro, debe estar el corazón".
La visión fatalista que Metropolis hace de los abusos a los que la clase obrera es sometida es una cruel metáfora aún válida en nuestros días. Sin hacer referencia a la película, Julio Cortázar escribió en una carta una cita que resume por si misma el mensaje trágico de Metropolis: "la humanidad comenzará verdaderamente a merecer su nombre el día en que haya cesado la explotación del hombre por el hombre"

A principios de los 80, se restauró una nueva versión incluyéndose unas escenas encontradas años antes y fotografías, y a la que se le añadió un poco de color, efectos de sonido y una banda sonora actual entre la que se encontraban Freddie Mercury o Bonnie Tyler.

El siguiente corto muestra cómo se encontró una copia  en la Argentina,comentarios de: Gustavo Wilhelmi, Representante del Cine Alemán en Argentina.

Habla Fernando Peña (historiador de cine) y Paula Felix directora del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken.

Capitán América (2011)

Capitán América

Director: Joe Johnston

2011
Película adaptada del comic con el mismo nombre , un personaje de Marvel Comics; superhéroe patriótico creado en 1941 por los historietistas Joe Simon y Jack Kirby.

El personaje fue creado como un elemento de propaganda durante la Segunda Guerra Mundial, donde representó a una América libre y democrática que se oponía a una Europa imperialista .

Jezabel

JEZABEL (1938)
Director: William Wyler
Intérpretes: Bette Davis, Henry Fonda, Fay Bainter, Margaret Lindsay.

El guión encuentra un magnífico equilibrio entre la pulsión y la contención, ya que el ejercicio narrativo empleado por los guionistas Abem Finkel, Clements Ripley y John Huston no es arrebatado ni vulgar, más bien se maneja con un tono clásico dentro de los melodramas de Hollywood, pero llevado con una suprema elegancia.
Wyler, el director, podía repetir varias veces una toma, como así ocurrió con algunos primeros planos de Bette Davis en esta película, hasta 30 veces seguidas, para desesperación de todo el equipo, desde el productor, que veía cómo pasaban los días y se acumulaban sin solución las jornadas de trabajo.Bette Davis no podía consentir tamaña humillación, pero en el fondo sabía bien que había dado con el director capaz de extraer lo mejor de ella misma; sencillamente, era una estrella.

Ella fue el amor imposible de William Wyler y viceversa; según varios testimonios de la época, afirman que el director compartía muchos momentos junto a la actriz durante el rodaje, a pesar de que eran dos personalidades fuertes y opuetas.
“Jezabel” fue la primera de las tres películas en las que trabajaron juntos, Wyler convirtió a Bette Davis en su actriz fetiche.

Nadie puede negar que “Jezabel” es uno de los mejores trabajos de Bette Davis, la Academia de Hollywood le otorgó un Oscar por su interpretación en esta película.

EL CHOQUE URBANO: BAILA!

CIUDAD CULTURAL KONEX

Sarmiento 3131, Capital Federal
Funciones extras en vacaciones de invierno: miércoles 20 y 27 de julio a las 17 hs.

Dirección Musical: Santiago Ablín
Dirección Coreográfica: Analía Gonzalez 
Director invitado: Martin Joab
Direccion General: Manuel Ablín

¿Que le pasó a Betty Boop en los años 30?

El 9 de agosto de 1930 aparece por primera vez Betty Boop en la serie Talkkartoons  producidos por Fleischer Studios, Inc.

 En Estados Unidos, estaba en vigencia la ley seca, que prohibía el consumo de alcohol , se cerraron la mayoría de los bares, y en contrapartida "surgieron los clubes nocturnos privados" (donde se podía escuchar jazz).Las mujeres concurrían con faldas cortas, no usaban corsé, fumaban, bebían licores fuertes y conducían a gran velocidad (desafiaban a la ley), eran las llamadas "flappers" y Betty Boop respondía a este perfil en una época en el que las mujeres no tenían un papel demasiado destacado.

¿Cómo transformó el código Hays (de censura) a Betty Boop?

El Código Hays le obliga a cubrir los hombros,alargar la pollera y quitarse la liga. Betty cambia sus papeles y se convierte en maestra o enfermera.

Película seleccionada para Sofía Sacco

Película seleccionada para Sofía Sacco:

“Ladrón de Bicicletas”

   -Vittorio De Sica-                     (1948)

1949: Nominada al Oscar: Mejor guión. Premio Honorífico a la Mejor película extranjera
1949: Globo de Oro: Mejor película extranjera
1949: BAFTA: Mejor película
1949: 6 premios del Sindicato Nacional de periodistas italianos, incluyendo, película, director
1949: 2 premios National Board of Review: Mejor película, director
1949: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera

*Esta película pertenece al movimiento cinematográfico denominado: Neorrealismo Italiano surgido en Los Años 40.

Para los que cumplen 15 años este año

Les dedico esta canción que habla un poco de la imagen o mirada que cada uno tiene de sí mismo, que en determinados momentos de la vida por distintas situaciones se ve afectada por miedos e inseguridades.Entiendo que es un buen momento para compartirla ya que los "15"(como se dice popularmente) son los más importantes, especialmente para las chicas. 

Rescato un poco de esta letra "el no tener tanta prisa...sino aprovechar cada momento", como decía Walt Whitman (poeta estadounidense): "Carpe Diem"(frase que le gusta mucho a una de mis  alumnas) .

Bono, el cantante, dice haberla compuesto para sus hijos adolescentes y para los de The Edge (el guitarrista).

Bono:- “Original Of The Species es una canción muy especial para mí, es un bello, melódico viaje (...) trata acerca de ver a algunas personas que se avergüenzan de sus cuerpos, especialmente los adolescentes con trastornos de alimentación, que no se sienten cómodos con ellos mismos y su sexualidad. Sólo les estoy diciendo a ellos:  se quien eres".

                                                  

                                                                                 Mes de Julio:

Facundo
Leila y
Agustina                                               

Ilustración: Quino (1932)

Personaje: Mafalda (1964 a 1973)

                                               

Video de gira U2:  "Vértigo Tour"2005 y 2006

Ciudad: Milán

                                                                            Prof. Mariel Luján

                                                                 Educación Artística

"Cineastas contra magnates"

Documental I
Dir.: Carlos Benpar
Año: 2004

"Cineastas en Acción"

Documental II
Dir.: Carlos Benpar
Año: 2006

3° ES Trabajo Práctico "Derechos de autor "

*Fichas técnica de documentales sobre derechos de autor .T.P.N° 6

PARTE 1- CINEASTAS CONTRA MAGNATES

Dir.: Carlos Benpar.
País: España.
Año: 2004.
Duración: 101 min.
Género: Documental.

Intérpretes: Marta Belmonte (Marta), Santiago Lapeira (Proyeccionista), Enric Suñol (Acomodador), Toni Regueiro (Felipe II), Daniel Medrán (Navarrete), Víctor Jerez (Caballero), Tunet Vila (Fraile), Jesús Ángel Domínguez (Bufón).
Intervención: Liv Ullman, Arthur Penn, Luis García Berlanga, Richard Fleischer, Stanley Donen, Jack Cardiff, Manuel de Sica, Woody Allen, Milos Forman, Sydney Pollack, Robert Ellis Miller, Marco Bellochio, Vilgot Sjöman.
Guión: Ferrán Alberich y Carlos Benpar.
Música: Xavier Oró y Pep Solórzano.
Fotografía: Yomás Pladevall y Xavier Camí.
Montaje: Manu de la Reina.
Dirección artística: Josep Rosell.
Año: 2005.

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PARTE 2- CINEASTAS EN ACCIÓN

Dir.: Carlos Benpar.
País: España.
Género: Documental.
Duración: 105 minutos.
Año: 2006.

Intérpretes: George Sidney, Bigas Luna, Bernardo Bertolucci, Bertrand Tavernier, Truffaut Eva, Thomas Vinterberg, Sydney Pollack, Jean Pierre Marchand, John Boorman, Arthur Penn, Claude Chabrol, Richard Lester, Woody Allen, Francesco Rosi. Guión: Ferran Alberich y Carlos Benpar, basado en El Libro 'Cineastas contra magnates', de Carlos Benpar.
Fotografía: Tomás Pladevall. Música: Xavier Oró y Pep Solórzano.
Montaje: Manu de la Reina. Prod: Carlos Benpar, Carmen Guzmán e Isabel Andrés.
Dirección Artística: Josep Rosell.
Vestuario: Virginia Barrachina. Etnilumidad SA

3° ES Trabajo Práctico "Historia del cine universal"

Trabajo práctico “Historia del cine Universal”

Entrega de T.P:  5 de Agosto 2011-06-30

Datos personales

Nombre y apellido:

Curso:

Año:

Materia:

Profesora:

Análisis de obra cinematográfica

T.P.N°6

Película:

Director:

Actores:

Corriente estética/Vanguardia:

Observaciones (cine silente, color, etc.):

Año:

1- Ubicación histórica del film (época en que se sitúa la historia del film)

2- Tema

3- Argumento (personal)

Harry Potter y las reliquias de la Muerte Parte 2 (2011) Trailer

*Próximo estreno: Jueves 14 de Julio de 2011. Ver trailer en HD

Director David Yates
Guionista J.K. Rowling
Productor David Barron David Heyman

Un clásico: Un tranvía llamado deseo

Actualmente en cartel. Para no dejar de ver.

Subasta: el vestido de Marilyn Monroe

Subasta de los vestidos más famosos. El más codiciado: el que utilizó Marilyn Monroe en el film "La tentación vive arriba" de Billy Wilder (1955).

Escena de la película

3° ES 2011

Hola a todos, les doy la bienvenida y espero que en esta etapa nos encontremos más seguido para que puedan comentar, hacer sugerencias e intercambiar comentarios.

Prof. Mariel Luján

Educación Artística

Para mis alumnos adolescentes:

"-... Me gustaría que me dijeras cómo hace uno para saber cuál es su lugar.

- Yo por ahora no lo tengo. supongo que me voy a dar cuenta cuando esté en un lugar y no me pueda ir.
- Supongo que es así..."

Diálogo del film Un Lugar en el Mundo

Dir.: Adolfo Aristarain País: Argentina Año: 1992